提高审美：如何评判一张照片的好坏

guigui

作者：摄影的秘密

数码时代的到来，摄影行业受到了巨大的变革，摄影的普及率迅速提高，成本却越来越低，随之而来的就是影像爆发的时代。单反，微单，手机所有的东西都成了制造影像的工具，那么在如此庞大数量的影像，如何区分这是一张“好”的照片？

艺术创作是一个非常主观的过程，安塞尔亚当斯说：我们不只是用相机拍照。我们带到摄影中去的是所有我们读过的书,看过的电影,听过的音乐,爱过的人。所以每个人对于照片的理解和认识都不尽相同，就有了不同风格的照片。但是无论什么风格的照片，都存在一个基本的标准，可以理解为“及格线”，下面我就从几个方面解释一下这个“及格线”。

一、参数

第一就是参数，对初学者来说非常容易误会的地方，首先要说明一点：参数仅仅起到参考作用，是为了我们更好的了解作品，不可本末倒置过分依赖参数，譬如很多的摄影师都有在拍摄完照片后，利用相机观看照片的直方图，确保照片没有过曝，也没有欠曝。但是从最基本的层面看，作为一张“及格”的照片，在参数上符合及格特点，影像的大部分像素集中在中间区域，也就是灰场，照片中有黑场也有白场，如图所示：

从参数上讲，这样的照片既有亮部也有暗部，大部分的像素集中在中间区域，而中间区域是表现照片细节最好的，所以说这样的一张照片是一张“合格”的照片。很多的摄影师都会进行后期修图，那么这样照片对于后期来说可调整的空间非常大，对照片进行二次创作来说，可操作的空间也很大。所以说参数或者说直方图只能是参考，并不能作为依据。

二、主题

这一点很重要，很重要，很重要！首先讲讲什么是主题，主题是我们的思想，观点和态度，可以说没有主题的照片最多只能称得上是一张一时好看的照片，随着时间的推移就会变成一张普通的照片，而有主题的照片不会随着时间的推移而削减她的美，反而会因时代的更迭，使它成为经典。纵观历史上杰出的摄影师，他们所拍摄的照片主题明确，带有很强的时代特征和历史背景，这样的照片即使再过个100年依旧是经典。这就是主题对于一张照片的重要性。

既然主题这么重要，那什么时候确认主题呢？大部分的人都是在拍摄之后明确照片主题的。从表面上看，这样的主题似乎更加贴合照片，但实际上是将所有照片总结归纳的结果，是在权衡过后得出的结论，看似贴合主题，实则并不准确。所以在拍摄之前明确主题就会显得尤为重要了，这样会使所有的照片主题明确，大大增加照片质量，但是这样也会带来一些所谓的“弊端”，就是拍摄构思难度大，拍摄周期长，俗话说的好：慢工出细活，好的作品必须经过时间的打磨，才能呈现出它最美的样子。

那么我么怎么知道一张照片的主题是否明确呢，当你看到照片的一刹那是否能看出照片的主体是什么，陪衬是什么，摄影师想表达的是什么，作为观者能够GET到摄影师的意图方向是什么，我讲的是意图方向而不是意图。

摄影师Stephanie Pearl

譬如这样的一张照片这种照片第一眼所带给你的，肯定不是喜悦，愉悦这些在表意上积极的词语，而是表意上带有负面的词语，忧伤，悲伤，压抑等等那么这张照片就准确的传达出了摄影师拍摄的意图方向。那如何表达准确的意图呢？在艺廊或者博物馆这类正规的地方，照片在展出的时候都会有一个关于这个系列照片的一个文字讲解，这个讲解就是摄影师拍摄的准确意图。方便我们准确的Get到摄影师的拍摄意图。所以说一张好的照片肯定是主题明确的照片，它能够引导和帮助观者与摄影师达到思想上的共情。当然一千个人眼中有一千个哈姆雷特，但我们首先要让别人看出来这是哈姆雷特才会有后面的故事。


三、视觉

视觉上的东西包括照片中的线条，材质，颜色，光影，空间，形体等等，凡是能用眼睛直接辨别描述出来的，都是视觉的范畴。通俗一点来说，就是当观者看到这张照片的时候，能否引起它的兴趣。对于一张照片构成来讲，首先他的意图是否明确，摄影师是想表现画面中的单个主体，还是想表现画面中的整体氛围，下面两张照片前者表现的是整体氛围后者表现的单个主体。画面的光影对比是强还是弱，这个要根据表达的意图来确定那种手法好；比如在人像摄影中，主体的形体是否优美，避免出现一些视觉干扰；色彩搭配上是否合理，避免出现刺眼的色彩，这样会给观者带来不舒服的感觉；有的摄影师喜欢超焦距所带来的视觉冲击感，这部分出现在风光类的摄影上，有的摄影师喜欢大光圈的朦胧感，不同的空间感所带来的视觉效应也是不同的，因人而异；在拍摄照片的时候还原事物的材质，就是说不要把人的脸磨皮磨的跟塑料一样光滑，物体本身是什么样子的，尽量还原，可以有稍微的修饰，但要注意度。

摄影师Hadi Malijani

摄影师Anya Anti

所以说这些都是视觉上的东西，都是给我们产生直接视觉感受的东西，观看你照片的人不一定都是专业的摄影师，更多的是普通人和摄影爱好者，要让他们可以直接感受到这个东西，你的照片在视觉上才能算得上是成功。

四、故事性

摄影至今有差不多185年的历史，早期摄影作为一门技艺，单纯的只是记录场景的作用，经历了时代的演变摄影上升到了艺术的层面，它不仅仅是记录你所看到的东西，更重要的是能传递出某种情感，能够隐喻某种思想，能够记录一段故事等等。所以说当你看到照片的时候，您能否通过照片感受到摄影师想传递出来的情绪，情感；能否勾起你大脑深处的一段回忆；能否让你感受到照片背后的隐喻。这样的照片才是好的照片。像下面这张照片时来自摄影师RICHARD TUSCHMAN的作品，精心设计的场景通过镜头语言完美的呈现出来，似乎无需开口，已有千言万语。

摄影师RICHARD TUSCHMAN

五、其他

每位摄影师的经历，所处的环境都不相同，就会导致在很多问题上的看法不一，所以对于事物的表现方式也会不一样。摄影没有对与错之分，所以当我们去看一张照片的时候，当他的表现手法和你所理解的不同的时候，譬如把主体人物放在画面角落；譬如干扰主体的因素特别多；又譬如没有合上焦点等等，尝试着站在作者的角度去思考问题，这样的做法是刻意为之，还是水平有限，不要急于否定。

我们要学习的是摄影的规则和方法，但摄影最大的魅力就是打破规则，但这并不是说随心所欲，而是在一定范围内的重塑和创作，也就是我们所说的“及格线”。

摄影师Teresa Vick

摄影师Maxime Giol

像这两张照片，它有着焦点不清晰，曝光不足，构图不完美等等问题，但是这些刻意而为之的“错误”，却也是成就这张照片的最最重要的地方。

六、审美

之所以把审美放在最后一点来讲，因为审美这件事你可以说它是精神上的东西，也可以说是技术上的东西，总的来讲是一种看不见抓不到的东西。首先要理解审美就是审视美，既然是审视，就要满足两个条件，第一个条件：既然是审美你就要站在一个高的角度去评判一张作品的“好”于“坏”；第二个条件：你要以多人称角度去品评作品的“好”于“坏”。理解了审美的意思，满足了这两个条件，才能够客观的评价一幅作品，在数不胜数的图像中找到好的作品。

那么如何提高审美呢？首先，我们要承认没存在于生活中的各个角落，没有特定的种类。如果你是一名商业摄影师，你要发现产品的美，客户的美，在你审美的指导下，用相机记录下来；如果你是一名艺术摄影师，你要从生活最普通的事物中发现被人忽略的美，用艺术的手段来表现，艺术的手段就是高度的总结和一定程度的夸张，他对于态度和观点的表现更加纯粹，所以肯定会存在一定程度上的夸张，这就是为什么说艺术来源于生活而高于生活。殊途同归，美好的东西无论是商业也好艺术也好，都会给人带来视觉上的享受。提高审美的方法，一是要坚持每天都要看一些优质照片，百度照片就不要看了，可以看一些pinterest，1X这些优质的图片网，或者像索尼摄影大赛，尼康摄影大赛，佳能摄影大赛中的获奖作品，这些照片无论从形式还是内容都是非常精彩的。第二，多学习一些非摄影的知识，是的，你没有看错，非摄影知识，譬如：文学著作，绘画，雕塑，音乐，历史甚至是美食都可以，就像人吃五谷杂粮身体健康一样，多方位的吸收知识，对于你的创作来讲百利无一害。第三，多交流，多思考，不断回看自己的作品，以第三视角的角度审视自己的作品，对于提高技艺和审美也起着直观重要的作用。最后也是最重要的一点就是：坚持。摄影这条路是一条一个人走的路，艰辛，痛苦和彷徨时肯定的，坚持住就一定能看到曙光。

本文作者介绍：

我是葛宇，一名艺术摄影师。我擅长暗调情绪人像摄影，我希望可以用我的镜头传递出更多的情感。想交流的朋友可以来V.B找我：摄影师葛宇。我会分享更多关于摄影技巧，艺术审美以及优秀摄影作品。